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BIRDS OF PREY: locura máxima en su Trailer Final

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Sin duda el rating con películas donde se lucen las mujeres protagonistas continúa pisando de manera fuerte este 2020. Inauguramos el año con un nuevo trailer de Birds of Prey (Aves de Presa), la nueva apuesta del Universo Extendido DC gracias a Warner Bros. Pictures, con buena parte del reparto femenino encabezado por Margot Robbie, quien regresa a su rol de Harley Quinn que tanto gustó a los fans en la película Suicide Squad (Escuadrón Suicida) en 2016.

Tal como su propio nombre indica, «Aves de Presa y la fantabulosa emancipación de Harley Quinn» tratará sobre cómo Harley Quinn decide separarse del Joker y emprender una carrera criminal en solitario. Sin embargo, no son pocos los enemigos que quieren acabar con la ex novia de Joker, entre ellos Black Mask. Pero no estará sola, ya que Harley Quinn contará con un equipo de mujeres de armas tomar para formar una alianza: Black Canary (Canario Negro), The Huntress (La Cazadora), Renee Montoya y Cassandra Cain, quien tiene una importante y valiosa joya que Black Mask quiere a toda costa.

Si aún no pudieron verlo, les dejo este nuevo trailer acá abajo:

Al ritmo de «It’s so Quiet» de Björk, el tráiler muesta al grupo ayudando a la joven a sobrevivir, ya que al poseer la joya es perseguida, pero también planean cobrar venganza. Al final, Harley Quinn aparece junto a su hiena llamada Bruce, como referencia a Bruce Wayne, mejor conocido como Batman.

Dirigida por Cathy Yan y escrita por Chuck Dixon, Jordan B. Gorfinkel y Christina Hodson, el reparto de Birds of Prey lo componen, aparte de Margot Robbie, los actores Ewan McGregor, Jurnee Smollett-Bell, Mary Elizabeth Winstead, Ella Jay Basco y Rosie Perez, entre otros.

OTROS DATOS DE COLOR

El estudio previo de una escena para el desarrollo de un proyecto es importante para muchos directores de cine, las fuentes de inspiración pueden llegar de distintos lugares, en algunos casos muy diferentes entre sí. Al menos es el caso de Cathy Yan, directora de este film tan esperado. Yan indicó que para prepararse para el proyecto obtuvo inspiración de filmes clásicos como: «Rashomon» de Akira Kurosawa, «Naranja Mecánica» de Stanley Kubrick y «Pulp Fiction» de Quentin Tarantino.

«La forma en que hablé sobre la estructura de la película es un poco como «Pulp Fiction» se encuentra con «Rashomon». Por lo tanto, es una estructura poco convencional», señaló la directora, agregando: «Para mí, hay muchos de mis cineastas favoritos que tienen influencia en esta película, por lo que, como Tarantino, obviamente. «El profesional» seguro, especialmente la relación entre Harley y Cass. De hecho, tenemos algunas como, oh, supongo que diría, como odas a ciertas películas de la película. Cuidado con eso. También visualmente, creo, también [fuimos] influenciados por «La Naranja Mecánica».

CURIOSIDADES DE PRIMERA MANO

Margot Robbie ha dado a conocer algunas de las diferencias entre Birds of Prey (And the Fantabulous Emancipation of One Harley Quinn) y Joker de Todd Phillips, dando a entender que la siguiente película de DC tiene un tono y estética «muy diferentes».

En una entrevista reciente con Variety, Robbie confirmó que el personaje de Joker no está en el nivel de Birds of Prey o The Suicide Squad, aunque elogió la interpretación reciente de Joaquin Phoenix del Payaso Príncipe del Crimen, diciendo que hizo un «trabajo fenomenal» en la película, que aparentemente está más «castigado» que Birds of Prey.

«Nuestro mundo en Birds of Prey es muy diferente: la estética, el tono. Muy, muy diferente», reveló. «La nuestra es sin duda una realidad realzada. Hay una clara distinción entre la vida real y lo que estás experimentando en la pantalla. Siento que la película de Joker fue mucho más sólida. La nuestra es diferente», explicó la actriz.

Robbie continuó discutiendo la relación disfuncional de Harley Quinn con el Joker, mientras hablaba sobre la preparación para comprender a una de las villanas favoritas de los fanáticos, admitiendo que, al principio, era un personaje complicado.

«Definitivamente hay un aspecto en ella que me llevó un tiempo entender y esa fue la razón por la que ella se mantendría en una relación con un tipo que abusa de ella. Pero eso solo requirió un poco de investigación y lectura, y luego algo finalmente hace click», explicó. «Leí la obra Fool For Love, y de repente entendí su relación con Mr. J de una manera que no podía antes».

Ella continuó: «Es una psiquiatra que entiende las enfermedades mentales pero también tiene una enfermedad mental. La esquizofrenia fue en la que más me concentré, porque, en el guión original, que siempre es a lo que voy, una de las líneas era: ‘Son las voces en mi cabeza’. Así que me aferré a eso: son las voces en su cabeza. ¿Quiénes son las voces? ¿Qué están diciendo? ¿Cuántas voces hay y a qué horas entran? Hay increíbles conversaciones TED de mujeres que en muchos casos eran profesionales de carrera, tenían doctorados, mujeres increíblemente inteligentes que tenían esquizofrenia. Una de las mujeres estaba diciendo cómo una de las voces en su cabeza le dio todas las respuestas a su examen final. Simplemente cosas así, que dije, ‘Oh, Dios mío, esto es genial para Harley. ¡Esto es fascinante!'».

Robbie concluyó que tener la oportunidad de interpretar a Quinn había sido un regalo para ella, ya que admitió que «se enamoró» del personaje y su «naturaleza impredecible».

Birds of Prey será clasificación R, siguiendo los pasos criminales de Joker, por las siguientes razones: incluir violencia fuerte, lenguaje fuerte y en todo momento y «material sexual» relacionado con drogas. Es la primera película de DC que se estrenará en los cines con una clasificación R desde que Joker se convirtió en la película con clasificación R más taquillera de la historia, así como en la segunda película de DC más grande de todos los tiempos. Después de que Joker obtuvo esas distinciones, se habló de otras películas de DC como The Suicide Squad, que también podrían recibir clasificación R.

Por si no lo saben, en Estados Unidos la clasificación R de Motion Picture Association of America requiere que los espectadores menores de 17 años estén acompañados por un padre o tutor adulto.

Birds of Prey (Aves de Presa) se estrenará en los cines el 7 de febrero de 2020.

MIYAZAKI: ¿qué le depara al legado de Studio Ghibli?

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Hayao Miyazaki cumplió recientemente sus 79 años, justo un día después de que su estudio de animación, Studio Ghibli, comenzara 2020 anunciando su tan anhelado regreso para dirigir una nueva película.

En su habitual mensaje de año nuevo, Studio Ghibli ha anunciado que trabajará en dos película durante 2020, una de ellas estando dirigida por Hayao Miyazaki. Además, reconfirman previos anuncios oficiales como la apertura en Nagakute del primer parque de atracciones de Studio Ghibli y la adaptación de «Kakubi de Nausicaä of the Valley of the Wind» a obra de teatro, que relata la historia de una princesa que descubre la verdad acerca de un bosque tóxico y se enfrenta a los planes criminales de un dictador que intenta destruirlo. La noticia llega después de que HBO Max consiga los derechos de transmisión en Estados Unidos para todas las producciones de Studio Ghibli, lo que incluye a títulos como «La princesa Mononoke», «Mi vecino Totoro»«El viaje de Chihiro», entre otros.

Carteles de cine de los títulos más reconocidos de Studio Ghibli.

Aunque Ghibli no ha dado mucha información acerca de la segunda película, sí que tenemos varios datos de la que estará dirigida por Miyazaki. Tras anunciar su retiro en 2013 (luego de terminar «El viento se eleva»), el famoso cineasta vuelve a las andanzas creativas que tanto marcaron nuestras infancias con gemas animadas. La nueva película tiene por título: Kimi-tachi wa Do Ikiru Ka («¿Cómo vives?») y será la adaptación de la novela homónima de 1937 escrita por Genzaburo Yoshino, la cual se espera llegue a los cines en el año 2021 (tenía previsto su estreno para este año, antes de los Juegos Olímpicos de Tokio, pero la fecha ha tenido que ser descartada). Esta nueva futura apuesta se conoció en el marco del anuncio de dos nuevos títulos de su compañía Studio Ghibli, siendo la segunda una cinta que narrará un coming-of-age con fantasía, siendo la historia de un adolescente llamado Koperu, de 15 años, y su crecimiento psicológico a través de la relación con sus amigos y su tío, según fuentes de Europa Press.

Hayao Miyazaki fue siempre una gran promesa. Sin duda el enterarnos de esta noticia nos simboliza un resurgimiento de emociones muy importante para nuestro «niño interior». Sobretodo para quienes compartimos una pasión muy grande por la cultura oriental y todo su arte. Me atrevería a decir que no se puede hablar o ser fan de todo aquello, y de la animación a nivel mundial en general, sin idolatrar, agradecer y respetar sobremanera al maestro Miyazaki. Ha tenido un legado indudable, sus trabajos han recorrido el mundo y son capaces de entregar grandes momentos a los seguidores y espectadores de su obra. Es por esto que voy a aprovechar la oportunidad para hacerle un merecido homenaje y regalarles curiosidades que, tal vez, no sepan acerca de este genio y toda su industria:

  • Miyazaki nació en Tokio, Japón, el 5 de enero de 1941, cuando Japón era una tierra muy distinta a la gran urbe que hoy se le adjudica ser. Desde pequeño encontró su pasión por el dibujo admirando al «padre del manga», Osamu Tezuka, además de alimentar su narrativa con lecturas occidentales.
  • Estudió Ciencias Políticas y Económicas en la Universidad de Gakushuin en la capital nipona. Sin dejar a un lado su pasión por el dibujo, al terminar su carrera comenzó a trabajar en la empresa de animación Toei Animation en 1963 como intercalador, encargándose de los dibujos entre movimientos. Dese ese momento, no vio límites algunos para continuar con sus obras.
  • Además de crecer dentro de la empresa conoció a Isao Takahata (difunto desde hace unos años), quien sería uno de sus principales socios.
  • Al salir de Toei Animation, Miyazaki ingresó a Nippon Animation, empresa encargada de reconocidas series como «Heidi» y «Conan, el niño del futuro», siendo esta última la primera serie dirigida por él, en 1978.
  • En 1979 dirige su primera película «El castillo de Cagliostro», en una nueva empresa llamada Tokio Movie Shinsha, lo cual le abriría puertas como la ofrecida por la revista Animage, quien le encargó un manga que más tarde llevaría a la pantalla grande: «Nausicaä del Valle del Viento», en 1984. 
  • Las personas involucradas en la creación de «Nausicaä» formarían parte de la emblemática casa de animación fundada por Miyazaki y su compañero, Takahata, en 1985: Studio Ghibli.
  • En el estudio, Miyazaki participaría de lleno en dirección y guiones de películas como «Mi vecino Totoro» o «La princesa Mononoke».
  • Ganó mayor reconocimiento con «El viaje de Chihiro«, la cual ganó el premio Óscar a Mejor película de animación en el año 2002. En el año 2013 anunció su aparente retiro.
  • En su nuevo proyecto, «¿Cómo vives?«, se enfocaría en contar el crecimiento psicológico de un adolescente mediante sus relaciones sociales.
  • ¿Sabían que Hayao Miyazaki no hace guiones? En 2001 durante una entrevista en Francia dió a conocer tal hecho a nivel «público», y desde entonces es que podemos ver cada cierto tiempo esa historia rondar por internet a modo de viral, pues Miyazaki denunciaría no tener tiempo para aquello y que la historia comenzaría a tomar forma a medida que el va dibujando los storyboards, seguido de la producción.
«¿Cómo sabemos que las películas valen la pena?» dijo una vez Miyazaki, criticando la situación actual de las películas y el cine.

Su legado es capaz de contar infinidad de tópicos humanos en sincronía y equilibrio perfectos con todo lo que representan sus facetas artísticas animadas. Les invito a recordar un par de películas que a una gran cantidad de gente en esta comunidad nos marcaron, y si aún alguno de ustedes no las pudo ver… ¡Espero darles un buen par de motivos para que no se las pierdan!

MI VECINO TOTORO (My Neighbor Totoro; Tonari no Totoro)

Estrenada en el año 1988, Mi vecino Totoro (Tonari no Totoro) es probablemente la más reconocida película del estudio que fundó el genio y talentoso Hayao. Ligera, agradable, no muy extensa, ni muy corta, Mi vecino Totoro te cuenta las aventuras de una familia que tras una mudanza tenemos a un padre que debe cuidar a sus hijas. Y ellas, en medio del descubrimiento del mundo que las rodea, se topan con un grupo de criaturas fascinantes, entre ellas, Totoro claramente.

La magia que la película entrega es algo que podés disfrutar sin importar la edad que tengas, es indudablemente la puerta de entrada al universo que Ghibli brindaría (si bien hay otras películas antes, es una de las principales obras que debés conocer, incluso en el cine a nivel general).

Dejando atrás el gatobus… Con Miyazaki emprendemos un viaje por los aires, no sólo con «Un castillo en el cielo», o «Una aprendiz de bruja repartiendo entregas a domicilio», se trata de un aviador:

PORCO ROSSO

La película del personaje que dijo «prefiero ser un cerdo que ser un fascista», y originalmente llamada Kurenai no buta (1992), es una película que nos posicionó en la historia de un piloto, claramente italiano, que dejo el ejército y se convirtió en cerdo. Realizó una que otra promesa sobre un jardín y lo llevó a una vida de cazarrecompensas, donde tendría por antagonistas a unos -muy honrados- piratas (Mamma aiuto).

Una película que nos muestra una historia impresionante donde tenemos a alguien entregado a sus convicciones, a su pasión, a su trabajo como tal: un «cerdo» pero honrado. Llamando al pacifismo y criticando el totalitarismo, Miyazaki en 94 minutos nos entregó una obra maestra del cine moderno, una película que no se pueden perder por el mensaje.

¿Son realmente los piratas los malos en la película? Resulta complicado hablar de ella, contar de su trama y no «hacer un spoiler», pero veremos a este cerdo (antes conocido como Marco Pagot –y sí, conlleva un tributo-) enfrascarse en una seguidilla de combates aéreos que lo llevarán a dejar su lugar, viajar junto a una joven mecánica, trazar una apuesta vital y sorprender a su audiencia. Porco Rosso y su hidroavión tendrán una gran aventura, que rumoreó tener secuela, pero fue desmentido.

Un dato interesante es que tenía inicialmente un tinte comercial y sería producida para una aerolínea, pero se convirtió en un largometraje donde tal aporte fue destinado a producción y la obra es hoy en día recordada y reconocida a nivel mundial.

LA PRINCESA MONONOKE / EL VIAJE DE CHIHIRO

Ghibli siempre nos presentó a mujeres independientes, empoderadas, siendo un estudio adelantado a su época y claramente se debía a la mente maestra que tenía. Hayao Miyazaki tendría otras películas, pero «La princesa Mononoke» y «El viaje de Chihiro» trascenderían con una mujer guerrera y otra que sería capaz de entregarse a duros trabajos y odiseas por rescatar a sus seres queridos.

Ambas protagonistas tendrían un gran deber en sus hombros, entre magia y espíritus. San, la chica criada por una diosa loba se enfrentaría en una cruzada por recuperar el bosque para las criaturas y dioses que en el habitan; y Chihiro debería hacer frente a los errores de sus descuidados padres y sufrir la discriminación de un mundo plagado de magia y privilegios. Sería precisamente ahí donde el amor –en diversas percepciones– sería el motor que la fortalecería y permitiría aventurarse en lugares donde un humano no podría.

San, por su parte, también tendría un amor: a su tierra, a su gente, a su bosque, pero en ella habría una ferocidad al actuar que brindaría un nuevo orden gracias a una princesa que no se necesita estereotipar para atraer audiencia. «El viaje de Chihiro» ganó un Óscar en 2002 a Mejor película de animación.

En su momento recibió 35 premios y con ello, un legado que permite que hasta el día de hoy sea exhibida en cines con funciones repletas de personas que llevan a jóvenes a conocer la cinta, incluyendo también adultos que van a repetir la experiencia que tuvieron, quizás incluso desde otra perspectiva.

GAKE NO UE NO PONYO (PONYO en el acantilado; PONYO y el Secreto de la Sirenita)

La ecología también estuvo presente. En realidad, casi siempre hay mensajes de preservación en sus cintas, así como de igualdad y más luchas sociales necesarias de concientización, pero «Ponyo en el acantilado» (o «Ponyo y el secreto de la sirenita») es una gema que mezcla la magia con la realidad.

Una necesidad de cuidar a la humanidad, o más bien… ¡Al mundo de la humanidad! Pero todo aquello de una forma que te educa, aún más te entretiene, te instruye en esta historia donde una «coincidencia» llevó a este pez a ser una niña y que de tal forma un descuido desate la necesidad de expandirse de los mares.

Pero su amistad junto a la de un joven pueden, gracias al amor, salvar el día. De todas formas nos presenta obviamente a un «villano» que no estaba tan equivocado, y en realidad de malo no tenía nada, pero siempre hay una mejor forma de hacer las cosas sin que el bien siempre justifique los medios. Japón nos deja así una enseñanza, respeto y una obra maestra del siglo.

También el año pasado hemos tenido grandes «estrenos» de Studio Ghibli en el cine, que la distribuidora Cinetopía nos ha brindado: «El cuento de la Princesa Kaguya», por ejemplo, fue uno de ellos, donde Isao Takahata nos dejó su último legado.

Ahora cuéntennos: ¿cuál es su película favorita de Hayao Miyazaki y/o Studio Ghibli? ¿Alguna marcó sus vidas? ¡Les leemos!

STAR WARS: ¡CITA EN EL TEATRO COLÓN!

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Sí, las buenas noticias para los fanáticos empedernidos de la saga intergaláctica siguen llegando. Y esta vez, es el turno de Argentina. Estamos hablando de que no sólo vamos a poder disfrutar, en menos de un mes, del estreno de El Ascenso de Skywalker sino que vamos a tener doble programa cuando llegue Febrero de 2020. Porque por iniciativa de Disney y la dirección del flamante Teatro Colón, se va a reestrenar el Episodio IV: Una Nueva Esperanza, por primera vez en nuestro país, con música de la Orquesta Estable del Teatro Colón en vivo a cargo del maestro mexicano Enrique Arturo Diemecke.

Esta coproducción entre Disney y el Teatro Colón busca llevar al público de la icónica historia a disfrutar de la magnífica e inigualable acústica de la sala porteña mientras ven la película original de 1977 en pantalla gigante en la sala principal del primer coliseo, acompañada de un concierto sinfónico que se encargará de tocar la banda sonora original creada por el premiado compositor John Williams. Estamos hablando de revivir una de las mayores experiencias cinematográficas, estrenada hace ya más de 40 años, y que ha tenido un impacto trascendental tanto en el cine como en la cultura inspirando al público con su narración mítica, sus personajes cautivadores y sus efectos especiales revolucionarios.

Lo anunció la Directora General del primer coliseo del teatro, María Victoria Alcaraz, quien presentó las actividades y proyectos que el Colón desarrollará a lo largo del año 2020. 

Hay cinco funciones programadas: Jueves 27 de Febrero a las 14:00 y a las 20:00 hs., el Viernes 28 de Febrero a las 14:00 (doblada al español) y a las 20:00 hs.; y, para finalizar, el Sábado 29 de Febrero a las 20:00 hs.

Las entradas ya se encuentran a la venta en la boletería del Teatro Colón, en Tucumán 1171, CABA (de Lunes a Sábados de 9:00 a 20:00 hs. y Domingos y feriados de 9:00 a 17:00 hs.) o a través del sistema online en la página oficial del Teatro, ingresando a www.teatrocolon.org.ar. Además, hay una promoción exclusiva con Banco Ciudad donde pueden comprarlas hasta en 10 cuotas sin interés del 19/11/2019 al 29/02/2020 con tarjetas de crédito Visa y Mastercard de esa entidad bancaria. La promoción aplica tanto a compras en boletería o de modo online. Las localidades van desde un monto de $150 hasta $7000, acorde a sus ubicaciones: Palco Bajo Centro: $5.600; Palco Bajo Lateral: $5.200; Palco Balcón Centro: $5.600; Palco Alto Centro: $5.200; Platea Fila 6 a 145: $600; Platea Fila 15 a 224: $800; Platea Balcón: $5.600.

Ahora bien… ¡conozcamos un poco más a los protagonistas que harán posible esta original y estrellada velada que nos espera!

La Orquesta Estable del Teatro Colón es una de las agrupaciones sinfónicas más antiguas de Argentina. Fue creada en 1925 por la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires, siendo columna vertebral de las temporadas líricas y acompañando las presentaciones del Ballet Estable, realizando conciertos sinfónico-corales con el Coro Estable y ofreciendo conciertos con notables solistas. Y ahora, va a sumar a su amplia trayectoria una puesta en escena memorable junto a quien va a tener el placer, y viceversa, de dirigirla en febrero: el maestro mexicano Enrique Arturo Diemecke. Él es Director Artístico de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires desde 2007. En 2017 fue nombrado Director General y Artístico de Producción del Teatro Colón. Como Director Musical este año está realizando su trigésima primer temporada al frente de la Sinfónica de Flint. Fue Director Artístico de la Ópera de Bellas Artes de México, donde dirigió más de 30 producciones líricas. Condujo algunas de las orquestas más importantes del mundo y fue galardonado con el prestigioso Gran Prix de l’Académie du Disque Lyrique en varias ocasiones.

Para quienes nos apasiona tanto el cine como la música, no podemos negar que esta combinación de maravilla artística no sería posible sin genios como el que compuso las piezas sonoras admirables de esta saga y tantas otras: John Williams.

John Williams ha ganado 5 premios de la Academia, 4 Globos de Oro, 7 premios de la Academia Británica de las Artes Cinematográficas (BAFTA), 5 premios Emmy y 23 premios Grammy. Con 51 nominaciones a los Premios Oscar, Williams es la persona viva con más nominaciones de la Academia y la segunda con más nominaciones de la historia, después de Walt Disney. Su carrera como compositor incluye sus trabajos en películas como Tiburón, Encuentros cercano del tercer tipo, Jurassic Park o La aventura del Poseidón, entre otros trabajos suyos de gran repercusión. Claro que su creación para la película de George Lucas alcanzó una dimensión especial. En 2005 el Instituto Estadounidense de Cine (American Film Institute) seleccionó la música de Williams del Episodio IV: Una Nueva Esperanza (1977), como la mejor banda sonora de todos los tiempos de una película de Estados Unidos. La banda sonora también se conservó en el Registro de Grabaciones Estadounidenses de la Biblioteca del Congreso por ser de «importancia cultural, histórica o estética». Fue incluido en el salón de la fama del anfiteatro Hollywood Bowl en el 2000 y recibió el premio Kennedy Center Honors en 2004, la Medalla de las Artes de los Estados Unidos (National Medal of Arts) en 2009 y el premio a la trayectoria del Instituto Estadounidense de Cine en 2016. Además ha compuesto las bandas sonoras de 8 de las 20 películas con mayor recaudación de la historia en la taquilla de los Estados Unidos.

Él estuvo a cargo de la banda sonora de las 8 películas de la saga de Star Wars hasta la fecha. Su primera composición fue la del Episodio IV: Una nueva esperanza (1977), la cual le valió un premio Oscar a mejor banda sonora original. También compuso la banda sonora de Star Wars: el Ascenso de Skywalker, la nueva película de Lucasfilm que marca el gran final de la saga, y llegará a los cines del país el próximo 19 de diciembre.

CURIOSIDAD EXTRA: Fue Steven Spielberg quien le recomendó a George Lucas trabajar con el compositor. Williams le entregó una partitura que mezclaba la épica de Strauss con la música de la época dorada de Hollywood. En 1977, la música de Star Wars se ubicó en los primeros lugares de venta. Será la misma que sonará en el Colón interpretada por una de las agrupaciones sinfónicas más antiguas de la Argentina en esta apuesta que une a Disney con el Colón para contar una de las historias geek más queridas de todos los tiempos.

DATA DESTACADA: Los conciertos sinfónicos basados en películas de Disney incluyen una variedad de formatos que van desde los que son interpretados en vivo mientras se proyecta una película, hasta conciertos de compilaciones temáticas vocales e instrumentales, pasando por producciones multimedia que incluyen vocalistas en vivo y coro. La batería de propuestas actuales incluye la serie de conciertos de películas de Star Wars a títulos como El extraño mundo de Jack, Alicia en el país de las maravillas, Frozen: una aventura congelada o la serie Los piratas del Caribe. El año pasado este tipo de propuestas tuvo más de 400 interpretaciones en salas como el Lincoln Center, de Nueva York; el Royal Albert Hall, de Londres, y la Ópera de Sidney, en Australia. A fines de febrero, en cinco funciones en distintos horarios, la más famosa de las guerras galácticas desembarcará en nuestro Colón. ¡Reserven sus entradas cuanto antes!

¡NUEVOS ANUNCIOS DE ANIMALES FANTÁSTICOS Y DÓNDE ENCONTRARLOS 3 (FBAWTF3)!

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Finalmente, y para alivio del fandom Potterhead, vemos la luz verde para el tercer proyecto de esta franquicia que es precuela de la historia del mago más famoso con cicatriz en forma de rayo. Fueron meses duros donde tuvimos inmensas dudas de si se continuaría con la puesta en escena del desarrollo de esta historia, que encima nos dejó el año pasado con un cliffhanger ENORME, obligándonos a sacar canas verdes por todo el armado de teorías y análisis del quiebre del canon literario del mundo mágico creado por Rowling (Eso lo dejo para otra nota con análisis detallado, paciencia).

El comienzo del rodaje de Animales Fantáticos 3 (Fantastic Beasts 3) fue revelado por Dan Fogler, quien vuelve a encarnar a nuestro querido panadero muggle Jacob Kowalski bajo la tutela de la guionista y autora de Harry Potter, J.K. Rowling, y el director David Yates. Originalmente con un inicio de rodaje planeado para julio, antes de que se retrasara a finales de otoño, ahora las cámaras empezarán a rodar a principios de 2020.

Según información que data desde enero, Warner Bros aprobó el retraso para tratar de darle a la secuela de Fantastic Beasts and where to find them 2: Crimes Of Grindelwald (2018) más tiempo de preparación. Además, en el mes de Abril, Warner cambió su fecha de lanzamiento del 20 de noviembre de 2020 al 12 de noviembre de 2021.

Fogler habló sobre el tema en el escenario de la LeakyCon 2019 en Boston: «Todavía no hemos comenzado a filmar. Empezamos en Febrero. Según lo último que escuchamos, J.K. ha estado escribiendo a tope, todos estaban muy contentos con lo que envió, y todos estamos esperando el nuevo guión. Y ahí es donde estamos.«

Dan Fogler interpretando al panadero muggle Jacob Kowalski en la saga Fantastic Beasts And Where To Find Them (Animales Fantásticos y dónde encontrarlos).

Fogler agregó que espera que Jacob se reencuentre con Queenie (Alison Sudol), a quien se vio por última vez junto al mago oscuro Gellert Grindelwald (Johnny Depp) cuando le prometió un futuro con el muggle Jacob.

«Espero que recupere a Queenie… Todavía no he visto el guión, y he perdido una cantidad significativa de peso, y creo que será divertido si… ¿sabés cómo me hechizó para seguirla como un cachorro? ¿Qué pasaría si ella también me hechizara para ponerme en forma? Pero también, a nivel filosófico, será interesante… Estamos en medio de la depresión, él está en una situación de pérdida. La perdió… Y según lo que tengo en mi cabeza, creo que ha perdido el apetito«, expresó.

Tras la calificación de Rotten Tomatoes de la anterior película, el presidente de Warner Bros., Kevin Tsujihara, expresó que el estudio estaba tomando las medidas adecuadas para garantizar que la tercera película de la serie spin-off de cinco películas fuera digna de la saga y expresó que la autora está trabajando durísimo en el guión. Fogler ya había comentado que la demora se debió a que la película era «gigantesca»: «La razón que nos dieron es que la película es más grande que las dos primeras combinadas. Necesitaban más tiempo para prepararse y no querían hacer nada con prisas, así que lo retrasaron. Te puedo decir que nos vamos a Brasil. Realmente no sé mucho… [Risas]. Me acercaré a un guión cuando comencemos a rodar.»

El año pasado, Animales Fantásticos 2: los Crímenes de Grindelwald bajó considerablemente la recaudación con respecto a Animales Fantásticos y dónde encontrarlos, de 2016. Por lo que Warner Bros decidió tomarse su tiempo para trabajar en la tercera cinta de la franquicia, con lo cual que el esperado largometraje recién se estrenará en noviembre de 2021.

No ha habido demasiadas actualizaciones que reportar desde entonces, más allá de que la creadora del titán mundo mágico, J.K. Rowling, estaba ocupada escribiendo el guión. Hace aproximadamente un mes, Eddie Redmayne (Newt Scamander) confirmó que Rowling está afinando activamente su guión de Fantastic Beasts 3 antes de la producción que comenzará el próximo año.

De izquierda a derecha: el actor Eddie Redmayne, quien le da vida al zoólogo mágico Newt Scamander, protagonista de la saga Animales Fantásticos. A su lado, J.K. Rowling, autora de la famosísima saga literaria Harry Potter, quien ahora se encarga de ser la guionista de la precuela que se cuenta en estas nuevas películas. Ambos se encontraban en la premiére de Animales Fantásticos y dónde encontrarlos, de 2016.

Las críticas negativas y la disminución de la recaudación en taquilla no son los únicos problemas de la franquicia. Warner Bros. y Rowling también tomaron la controvertida decisión de mantener a Johnny Depp a bordo como Gellert Grindelwald, a pesar de la reacción a su casting después de que su ex esposa Amber Heard impusiera acusaciones de violencia de género contra él.

Si no hay más retrasos, Animales Fantásticos 3 llegará a los cines el próximo 12 de Noviembre de 2021.

De una galaxia muy muy lejana, llega… ¡UN MUSEO!

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Se cumplió otro sueño para los fanáticos de esta saga intergaláctica. ¡El Museo Estelar abre sus puertas en la Ciudad de México! Se trata de la exhibición más grande de Latinoamérica dedicada a la saga de George Lucas y formará parte de la red de museos de la capital del país. De manera gratuita, se podrá admirar los más de 6 mil objetos expuestos a partir del 1 de Noviembre.

Ewoks, bustos de droides, figuras de todos los tamaños de soldados del imperio galáctico, sables de luz de ediciones limitadas, naves de distintas dimensiones, máscaras o cascos son sólo algunos ejemplos de las piezas que ocupan las vitrinas de este museo de dos pisos. «Este museo es un sueño hecho realidad. Es una exhibición de coleccionables, piezas únicas y ediciones limitadas con las que recrear la infancia de muchos de nosotros. Es de fans para fans. Esperamos llevarlos a otras galaxias», dijo el director del museo, César Cruz, durante la inauguración.

Y es que él mismo es un gran seguidor de la saga del cineasta fundador de LucasFilms, y si hubiese tenido la oportunidad de visitar este museo cuando era un niño fan de Star Wars, no se lo habría creído. «No me la habría creído, sería un sueño hecho realidad», explicó Cruz. Sus objetos favoritos de la colección son los vintage, ya que aunque los modelados han avanzado mucho, «las vintage son a las que más cariño se les tiene». La colección, que fue cedida por el coleccionista José Kalach, lleva más de 40 años construyéndose y a día de hoy es invaluable económicamente. «Esta colección inició hace 40 años y cabe destacar que por razones de logística y de la inauguración, no pudimos montar las 6,000 piezas que componen la colección en su totalidad. Por el momento hay montadas aproximadamente solo 4,000, el otro 30% será traído eventualmente», comentó Kalach durante la inauguración.

De izquierda a derecha: César Cruz, director del Museo Estelar, y un cosplayer en la piel de Darth Maul.

De esta manera, el Estelar se une a la red de más de 200 museos que hay en la Ciudad de México, lo que la convierte en la segunda ciudad del mundo con más recintos de este tipo solamente por detrás de Londres. El Secretario de Turismo de México, Miguel Torruco Marqués, presente en la inauguración, aseguró que este museo se incluirá en la red de museos del país y que es «una gran aportación para los capitalinos».

El museo exhibirá figuras que datan desde 1977 y hasta 1986 (años en los que se lanzó la primera trilogía de Star Wars), y estará dividido en diversas salas y temáticas: The return of the toy (con piezas Hasbro lanzadas en la década de 1990 para la segunda trilogía de la saga), The toys strike back (que apuesta por la tercera trilogía y consta de una serie de spin offs; esta colección cuenta con figuras cada vez más detalladas y permanecerá en constante actualización) y Frozen in carbonite (serie de esculturas de los personajes en diversos materiales como polipiedra, resina y vinilo suave). Una cuarta parte de las piezas del museo son de edición especial y «hay menos de 1,000 en el mundo», según asegura el director del recinto.

Al cuestionarle sobre el valor estimado de la extensa colección, César Cruz comenta que «es invaluable económicamente, lo importante es el valor sentimental, el valor que cada uno da a las piezas».

Pese a los dos niveles con los que cuenta el museo, tiene un espacio reducido y sólo se permitirá la entrada simultánea a 50 o 60 personas. El museo estará abierto al público con entrada gratuita, con previa reserva vía internet, de martes a domingos de 10:00 a 18:00 horas, en Santa Margarita No. 519, colonia Insurgentes San Borja, alcaldía Benito Juárez. Y la forma más fácil de llegar es por el metrobús mexicano Ciudad de los Deportes.

PHOENIX: RESILIENCIA PARA EL ESTRELLATO

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Admito que me tiemblan las manos al estar escribiendo esto, y no es para menos. En este día cumple años una de las figuras artísticas (y humanas) que más admiro, y que siempre me generó incertidumbre en cuanto a qué sería de su futuro. Hoy por hoy, me (y nos) da una calma placentera al verlo tan encaminado al éxito en todo ámbito de su vida. Porque si hay alguien que sabe mucho acerca de ser un marginado social, una figura subestimada y por momentos olvidada (sobre todo en un contexto como Hollywood), y un ser limitado emocional y físicamente, es el hombre del que les voy a contar en esta nota. Y no me parece coincidencia que, después de los múltiples golpes que le dio la vida, hoy esté en boca de todos destacándose una vez más en el rol controversial de alguien que nos fuerza a replantearnos ética y socialmente. Con ustedes, y sin más preámbulos, la historia de Joaquin Phoenix.

Es un extraordinario actor, eso no es ningún descubrimiento: sus interpretaciones siempre dan cuenta de eso. Pero sobre todo, es un resiliente, porque su gran batalla no fue conseguir buenos papeles en la pantalla grande, sino más bien, como le sucede a su flamante personaje en Joker, salir airoso de todos los obstáculos que aparecieron desde que llegó a este mundo.

«Amo mi vida», dijo hace unas semanas en una entrevista a Vanity Fair, en la que por primera vez habló de su infancia, sus dolores, su preparación para el protagónico en la película de Todd Phillips que hoy rompe mil récords, de lo mucho que le costaba entrar y salir de los personajes sin que ellos dejen secuelas negativas en su vida…

Su flamante papel va en la línea de varios personajes que ya ha interpretado a lo largo de su carrera. En Nunca estarás a salvo (2017) fue un sicario que mata a hombres millonarios que violan a niñas menores de edad; en Her (2013) se puso en la piel de un depresivo solitario que se enamora del sistema operativo de su computadora; en The Master (2012) fue un devoto desquiciado de un líder religioso; en I’m still here (2010) le hizo creer al mundo entero que abandonaba la actuación para dedicarse al rap; y en Todo por un sueño (1995) fue un adolescente obsesionado y dispuesto a matar por amor.

Pero cada personaje dejaba secuelas y lo sumergía más en su adicción al alcohol. Además de emprender un largo tratamiento psiquiátrico, Phoenix encontró en el amor de su actual pareja y prometida, Rooney Mara (con quien también comparte la pasión y el trabajo de actuar), la contención necesaria para volver a asomar en la superficie y entregar una actuación tan potente que hoy hace hablar al mundo.

Infancia nómade y perturbadora

Joaquin Rafael Bottom nació el 28 de octubre de 1974 en San Juan, Puerto Rico. Sí, es latino, chicos. En ese entonces sus padres Arlyn y John, que eran hippies y pertenecían a la secta religiosa Children of God (Los hijos de Dios), recorrían toda América como evangelizadores. Sus padres estaban tan comprometidos con la formación religiosa que incluso pusieron a sus hijos nombres que tenían que ver la naturaleza. Por eso River (Río) se llamó River y dos de sus hermanas, Butterfly (Mariposa) o Summer (Verano). Como no tenían un trabajo fijo, pedían dinero para comer y hacían trabajar a sus hijos mayores, River y Rain, que actuaban en la calle cantando y tocando diversos instrumentos, intentando ganar algunas monedas aprovechándose de su talento nato (años después, River se erigiría como una joven promesa de la actuación y Rain sería una cantante exquisita). Pronto sus padres comenzaron a desencantarse del grupo sectario, que se caracterizaba por promover el amor libre y la práctica del sexo entre todos sus miembros, incluso con los niños. Una secta acusada de incitación a la prostitución, el incesto y la pedofilia. Tiempo más tarde, River confesaría en una entrevista que tuvo su primer contacto sexual a los cuatro años. Los padres de Joaquin decidieron renunciar a la familia internacional cuando les solicitaron incorporar nuevos fieles a través del sexo.

Acabó celebrando su tercer cumpleaños en un avión que volaba desde Caracas hasta Miami, porque sus progenitores tomaron la decisión de dejar su casa en Venezuela huyendo de la secta religiosa. Sí, el nuevo Joker vivió en Caracas. De hecho, su hermana es venezolana y sus padres fueron nombrados arzobispos de Trinidad y Venezuela. Habían pasado gran parte de los 70′ viajando en una camioneta por los Estados Unidos; luego se trasladaron a Puerto Rico, donde nació Joaquin, hasta que arribaron a Venezuela. El Joker con raíces venezolanas comentó en una entrevista que recuerda vívidamente su torta de cumpleaños. «Creo que fue probablemente el primer pastel que tuve en mi vida», dijo.  

La familia juntó sus pocas pertenencias y junto a sus cuatro hijos (River, Joaquin, Rain y Liberty, porque Summer aún no había nacido), partieron desde Venezuela hasta Miami, en busca de una nueva vida. Fue en ese viaje en un buque de carga que sucedió un episodio que marcó la vida de la familia para siempre: vieron con espanto cómo la tripulación azotaba peces contra el suelo para luego comerlos. En ese momento, cuenta el actor, se dio cuenta de que los pescados que había comido «habían sido torturados», y esa imagen marcaría su vida para siempre.

Joaquin Phoenix para su entrevista en Vanity Fair.

«Eso fue tan violento, tan intenso. Todavía tengo el recuerdo vivo con la cara de mi madre, tratando de justificarnos, mientras le gritábamos: «¿Cómo pudiste no decirnos esto?», recuerda Joaquin. Luego de ese episodio, toda la familia se hizo vegana. También contó sobre sus intentos por dejar de fumar, que viene haciéndolo desde adolescente: se sometió a hipnosis y estuvo un tiempo sin cigarrillos, pero pronto recayó. «Como realmente saludable, no me gusta la comida chatarra ni los alimentos procesados. Pero todavía puedo comer unas papas fritas o un maldito sándwich», contó.

Una vez en los Estados Unidos, la familia cambió su apellido, Bottom, por el de Phoenix, como el ave que resurge de sus cenizas. Todo un símbolo.

Su mochila más pesada

Su madre consiguió un trabajo en la NBC como secretaria de un agente infantil, lo que permitió que River consiguiera sus primeros papeles en publicidades y películas (como por ejemplo, en la famosísima Cuenta conmigo), y que su familia saliera de la pobreza. Pero la felicidad no duró demasiado para esta castigada familia, y para Joaquin vendría el golpe que lo marcaría para siempre: su hermano River, su referente en la vida y en la actuación, moría a los 23 años a causa de una sobredosis, frente a sus propios ojos y sin tiempo a hacer nada para evitarlo.

Fue él mismo quien tuvo que alertar al 911, en un llamado que más tarde se hizo público en todos los medios: «Está teniendo convulsiones, en la calle Sunset y Larrabee. Por favor, vengan acá. Creo que tomó Valium o algo así, no lo sé. ¡Por favor! ¡Se está muriendo! ¡Por favor!». Podría decirse que el gran revuelo que se generó alrededor de la muerte de su hermano fue lo que originó su rechazo hacia las entrevistas y su afán por mantener su vida personal al margen de la esfera pública. Quién podría culparlo, ¿no?

River Phoenix en 'Cuenta conmigo'. (1986)
River Phoenix en «Cuenta conmigo» (1986)

Luego de la muerte de su amado hermano, la familia se refugió de la prensa en Costa Rica, hasta que en 1995 Joaquin y su madre volaron a Nueva York para un casting de una película de Gus Van Sant. Ese film terminó siendo Todo por un sueño, con Nicole Kidman, y sería el despegue de la carrera de Phoenix como actor. El resto es historia.

Memorables actuaciones

El cumpleañero está actualmente en las noticias por todas las razones correctas. Se encuentra disfrutando del éxito de su última película, Joker, que ha dejado no solo al público sino también a los críticos con asombro por su trabajo. El actor es conocido por sus métodos extremos de actuación y esta vez después de sufrir una transformación corporal inmensamente aterradora, logró meterse en la piel de uno de los villanos más temidos del mundo del cómic: el Joker sin problemas. Los personajes de Phoenix siempre han tenido algo bastante especial y sus actuaciones siempre han sido inolvidables. Acá les dejo algunas de sus mejores citas de películas, ¡por supuesto, incluido Joker!

1. «Solía pensar que mi vida era una tragedia, pero ahora sé que es una comedia.»

Joker se ha convertido en una de las películas con clasificación R más exitosas en la taquilla de Estados Unidos. Y una de las razones también ha sido su increíble escritura. Phoenix clava totalmente este diálogo en la película y es imposible que no sientas lástima por su personaje, Arthur Fleck, con deterioro de la salud mental.

2. «Ambición, eso puede ser una virtud cuando nos impulsa a sobresalir. Ingenio. Valor. Quizás no en el campo de batalla, pero hay muchas formas de coraje.» 

Hizo que el público odiara estas tripas con una de las representaciones más brillantes de un antagonista en Gladiator (2000). El actor interpretó el papel de Commodus y tiene esta cita de la película durante una interacción con su padre al negarle la posición de Emperador. La película del 2000 le hizo ceder sus mejores actuaciones hasta Joker.

3. «A veces pienso que he sentido todo lo que alguna vez voy a sentir. Y de ahora en adelante, no voy a sentir nada nuevo, solo versiones menores de lo que ya he sentido.»

Her es una historia inusual en la que el personaje de Phoenix compra un sistema de inteligencia artificial para ayudarlo a escribir. Sin embargo, asombrado por la capacidad de adaptación de la IA, se enamora de ella. Este es uno de los diálogos más emotivos de la película.

4. «Porque eres mío, yo camino en la cuerda floja.»

Phoenix interpretó al famoso músico Johnny Cash en Walk the Line. La película gira en torno a Cash, un aspirante a músico, que recibe una oportunidad de oro para hacer una gira con el famoso June Carter. Esta cita es también una de las canciones más populares del cantante. Personalmente, sigue siendo mi favorita en cuanto a aproximación de vibra de vida. Joaquin logró revivir todo un homenaje a Cash, causándome múltiples escalofríos cada vez que revivo esta obra de arte.

5. «No sé lo que te dije, pero si tenés trabajo para mí, puedo hacerlo.»

En esta ocasión, interpreta a Freddie, un veterano de la Segunda Guerra Mundial que no puede lidiar con la sociedad de posguerra en The Master. Sin embargo, cuando se encuentra con un movimiento religioso conocido como La Causa, encuentra consuelo en él. El actor logró este papel y consiguió dejar un impacto duradero con su actuación en la película.

TOP 13 DE PELÍCULAS

Ahora bien, si tenemos que ponernos estrictos y objetivos con su desempeño a lo largo de su trayectoria, creo factible hacer un ranking de sus trabajos. El siguiente TOP incluye 13 de sus películas más analizadas, junto a las críticas que merecieron por el mundo cinéfilo en general (y claro, varias de mis apreciaciones personales):

13. I’m still here (Aún estoy aquí) (2010)

Casey Affleck graba a Joaquin Phoenix en 'I'm Still Here'.
Casey Affleck graba a Joaquin Phoenix en «I’m Still Here».

Director: Casey Affleck. Escritor: Casey Affleck, Joaquin Phoenix. Protagonizada por Joaquin Phoenix, Casey Affleck, Sean Combs. 

Aceptémoslo: I’m Still Here es un desastre, pero la incluí porque fue una película crucial en el descarrilamiento de la carrera de Phoenix. En el falso documental de Casey Affleck, Phoenix se hizo pasar por él mismo, abandonando su actuación y comenzando una carrera musical en el hip-hop. Durante su promoción en la prensa, Phoenix mantuvo su carácter, lo que resultó en una aparición catastrófica con David Letterman en la que los espectadores, sin saber que Phoenix estaba en el personaje, pensaron que estaba teniendo una crisis nerviosa. Phoenix se disculpó profusamente y, afortunadamente, Paul Thomas Anderson vino junto con The Master, que volvió a encarrilar la carrera de nuestro actor.

12. Signs (Señales) (2002)

Escritor / Director: M. Night Shyamalan. Protagonizada por Mel Gibson, Joaquin Phoenix, Rory Culkin, Abigail Breslin. 

Phoenix tuvo la suerte de encontrarse con M. Night Shyamalan durante su buen período, y su presencia en el gran éxito de Shyamalan ayudó a solidificar su estatus de taquilla. Como Merrill, un jugador de béisbol de ligas menores fallido que ahora vive con su hermano mayor Graham (Mel Gibson), Phoenix ofrece una actuación con mentalidad de conjunto cuando su Merrill está aturdido por los misteriosos círculos de cultivos que han aparecido repentinamente en el patio de Graham y se paran erguidos ante la perspectiva de una invasión alienígena. Frente a tallar un personaje que enfrenta esta trama absurda, Phoenix, al igual que su personaje Merrill, también se destaca.

11. The Immigrant (El Inmigrante) (2013)

Director: James Gray. Escritores: Richard Menello, James Gray. Protagonizada por Marion Cotillard, Joaquin Phoenix, Jeremy Renner. 

Gray creó un gran papel para Phoenix en su perspicaz mirada a la inmigración a principios del siglo pasado. Bruno (Phoenix) se da cuenta de la nueva inmigrante Ewa (Marion Cotillard). Aunque en realidad no se considera un proxeneta, Bruno la traspasa por la aduana y la lleva a su casa, con la intención de prostituirla y, al mismo tiempo, enamorarse de ella. Entra el hermano de Bruno, Emil, un mago al que le gusta Ewa, y trata de encontrar una manera de rescatarla de las garras de Bruno, sólo para quedarse corto. Muy buen trabajo de Phoenix acá.

10. Parenthood (Paternidad) (1989)

Director: Ron Howard. Escritores: Lowell Ganz, Bobaloo Mandel. Protagonizada por Steve Martin, Mary Steenburgen, Martha Plimpton, Keanu Reeves, Joaquin Phoenix.  

Phoenix realmente dejó su huella en la comedia de conjunto de Ron Howard centrada en las tribulaciones de la familia Buckman. Para disgusto de su madre Helen (Dianne Wiest), su hija Julie (Martha Plimpton) se casó con su novio Tod (Keanu Reeves) y quedó embarazada. Cuando Helen se preocupa por su hijo Garry (Phoenix) obsesionado con el porno, Tod se acerca para darle una charla de hombre a hombre. Helen queda impresionada y comienza a reconsiderar su disgusto por Tod. Para un papel que podría haber sido interpretado como francamente espeluznante, Phoenix elige hacer de Garry: un niño normal que simplemente canaliza sus impulsos sexuales a través del porno.

9. To Die For (Todo por un sueño) (1995)

Director: Gus Van Sant. Escritor: Buck Henry. Protagonizada por Nicole Kidman, Joaquin Phoenix, Matt Dillon, Casey Affleck. 

En el falso documental de filo agudo de Gus Van Sant, Nicole Kidman interpreta a Suzanne Stone-Maretto, una aspirante a meteoróloga en una estación de televisión local que quiere más y no se detendrá ante nada para conseguirlo. Harta de su esposo Larry (Matt Dillon), seduce al adolescente Jimmy (Phoenix) para que mate a su esposo. Jimmy sigue el trato y pronto es arrestado. Suzanne se regodea en la gloria de los medios, tanto que llama la atención del padre de su difunto esposo, quien ordena un golpe de la mafia en la estación meteorológica. To Die For es una versión perversamente deliciosa del culto a la personalidad en los medios estadounidenses.

8. Hotel Rwanda (2004)

Director: Terry George. Escritores: Keir Pearson, Terry George. Protagonizada por Don Cheadle, Sophie Okonado, Joaquin Phoenix, Nick Nolte. 

En la película de Terry George sobre el genocidio en Rwanda, Phoenix interpreta a Jack Daglish, un reportero estadounidense de la vida real que fue en gran parte responsable de llevar la difícil situación del pueblo de Rwanda a la atención del mundo a través de sus informes desde el campo. Como Daglish, Phoenix ofrece una actuación directa acá como corresponde al material y, al marcarlo de nuevo, Phoenix es totalmente creíble como un periodista sin sentido. Por su actuación como Daglish, obtuvo su tercera nominación al Screen Actors Guild Award.

7. Inherent Vice (Puro Vicio) (2014)

Guionista / Director: Paul Thomas Anderson. Basado en la novela de Thomas Pynchon. Protagonizada por Joaquin Phoenix, Josh Brolin, Owen Wilson, Katherine Waterston. 

Incluso en la filmografía excéntrica de Paul Thomas Anderson, Inherent Vice es un verdadero bribón de una película. Phoenix interpreta al hippie de los años 70, PI Doc Sportello, a quien la mujer fatal Shasta Fay Hepworth (Katherine Waterston) le pide ayuda para proteger a su nuevo novio de ser secuestrado y colocado en una institución mental. No hace falta decir que las cosas para Doc de repente se vuelven extremadamente complicadas. Por su actuación como Doc, obtuvo su quinta nominación al Globo de Oro.

6. You were never really here (Nunca estuviste realmente aquí) (2018)

Guionista / Directora: Lynne Ramsay. Protagonizada por Joaquin Phoenix, Ekaterina Samsonov, Alex Manette. 

En la aclamada película de Lynne Ramsay en Cannes, Phoenix, que ganó el premio al Mejor Actor en Cannes por su actuación, interpreta a Joe, un arma de alquiler contratada por un senador del estado de Nueva York que contrata los servicios de Joe para encontrar a su hija desaparecida, Nina. Se las arregla para salvar a la niña, pero la policía, creyendo que ha sido secuestrada, irrumpe y se lleva a Nina, hiriendo gravemente a Joe. Sabiendo que algo no está bien en esta configuración, Joe regresa a la escena del crimen y finalmente puede rescatar a Nina. Aunque You Were Never Really Here es una película de género violento, el rendimiento interior de Phoenix es el contrapeso perfecto para el caos que lo rodea.

5. Gladiator (Gladiador) (2000)

Phoenix en 'Gladiator', por la que fue nominado al Oscar.
Phoenix en «Gladiator», por la que fue nominado al Oscar.

Director: Ridley Scott. Escritores: David Franzoni, John Logan, William Nicholson. Protagonizada por Russell Crowe, Joaquin Phoenix, Connie Nielsen, Oliver Reed, Richard Harris. 

La primera atención seria de Phoenix fue su actuación como el malvado Commodus, hijo ambicioso del emperador romano Marco Aurelio (Richard Harris). Como Commodus, Phoenix exudaba una sórdida decadencia que nunca antes había mostrado pero que era perfecta para el personaje. Joaquin finalmente estaba en el mapa de premios. Por su actuación como Commodus, obtuvo su primera nominación al Premio de la Academia, su primer guiño al Globo de Oro y su segunda nominación al Screen Actors Guild.

4. Joker (Guasón) (2019)

Director: Todd Phillips. Escritores: Todd Phillips, Scott Silver. Protagonizada por Joaquin Phoenix, Robert De Niro, Zazie Beetz, Frances Conroy.

Sin duda, la película más controvertida del otoño de 2019 fue la versión de Todd Phillips sobre los orígenes de la famosa némesis de Batman, The Joker (Phoenix). Los críticos estaban muy mezclados sobre la calidad de la película, pero la encarnación de Phoenix del famoso villano de DC Comics recibió elogios casi unánimes. Su actuación como el aspirante a comediante Arthur Fleck, con problemas mentales, siguió cuidadosamente su descenso a la locura cuando comienza a sentirse cada vez más oprimido por quienes lo rodean y la sociedad en general. Es un rendimiento audaz, a veces valiente, que puede ser uno de los mejores de Phoenix.

3. The Master (El Maestro) (2012)

Guionista / Director: Paul Thomas Anderson. Protagonizada por Joaquin Phoenix, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams. 

Después del desastre de relaciones públicas que fue I’m still here, la reputación de Phoenix fue seriamente dañada, pero justo cuando estaba a punto de tocar fondo, fue rescatado por Paul Thomas Anderson, quien escribió un gran papel en The Master, siendo perfectamente adaptado a los talentos de Joaquin. El veterano de la Segunda Guerra Mundial Freddie Quell (Phoenix), que parece no poder adaptarse a la vida en su país de origen, es llevado bajo el ala de Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman), quien es el líder espiritual de un movimiento llamado La Causa. Freddie se convierte en un discípulo ansioso, una decisión que lamentará. Por su actuación como Freddie, obtuvo su tercera nominación al Premio de la Academia y su tercer guiño a los Globos de Oro.

2. Her (Ella) (2013)

Guionista / Director: Spike Jonze. Protagonizada por Joaquin Phoenix, Amy Adams, Rooney Mara, Scarlett Johansson, Olivia Wilde, Chris Pratt. 

Aunque pocos de nosotros probablemente consideraríamos a Joaquin Phoenix como un imbécil en la vida real, ciertamente jugó uno efectivamente en el romance de ciencia ficción de Spike Jonze. Aunque Theodore Twombly (Phoenix) tiene una nueva novia amorosa (Amy Adams), se enamora de su sistema operativo computarizado que tiene una voz femenina a quien Theodore llama Samantha (con la voz de Scarlett Johansson). Aunque comienza como un coqueteo inocente, Theodore no tiene idea de cómo su relación con Samantha afectará su vida. Por su actuación como Theodore, Phoenix fue nominado para su cuarto Premio Globo de Oro.

1. Walk the line (En la cuerda floja) (2005)

Director: James Mangold. Escritores: Gill Dennis, James Mangold. Protagonizada por Joaquin Phoenix, Reese Witherspoon, Ginnifer Goodwin, Robert Patrick. 

Hasta la fecha, la representación de Phoenix de Johnny Cash sigue siendo su triunfo artístico, no solo intentando una actuación similar al sonido, sino tratando de llegar a la esencia del hombre. El desempeño de Joaquin se basa en gran medida en su interpretación de Cash como esposo, una elección muy inteligente y que se destaca entre las biografías musicales. Por su actuación como Cash, ganó su primer Golden Globe Award y fue nominado para su segundo Oscar y su cuarto Premio del Screen Actors Guild.

CURIOSIDAD EXTRA

Todos tenemos un pasado y aunque haya momentos que no nos gustaría recordar, Internet es oscuro y alberga horrores, sobre todo si empezaste tu carrera como actor muy jovencito y en los años 80, como es el caso de nuestro Joaquin.

Ahora considerado uno de los mejores actores de su generación y llenando cines de todo el mundo, es muy divertido saber que hubo un momento en el que se enfundó las mallas de Superman, e incluso lanzaba rayos láser por los ojos, en un pequeño papel de la serie de Las aventuras de Superboy, en la que durante un capítulo interpretaba a Billy Hércules, un niño callado e inteligente que soñaba con tener los poderes de Clark Kent para poder enfrentarse a los matones de su colegio y conseguir a la chica que le gusta. 

Como Internet nunca olvida, esta escena en la que vemos a un joven Joaquin, llamado por entonces Leaf Phoenix antes de cambiarse el nombre, se ha hecho viral durante las últimas semanas, porque no hay nada más divertido que recordar los momentos más vergonzosos de la carrera de un actor. En este caso de un Phoenix enfundado en unas mallas de Superman capaz de reducir a cenizas a un matón de su instituto con el láser que le sale de los ojos (¡atención a los efectos especiales!). 

Las aventuras de Superboy se emitió en la televisión estadounidense desde 1988 al 1992, años en los que la carrera de Joaquin empezaría a despegar como estrella infantil muy prometedora. Tras un par de varios años, entre 1991 y 1995, y sumido en dudas de si volver a su carrera como actor después de la trágica muerte de su hermano, Joaquin decidió volver a actuar en la película Todo por un sueño de Gus Van Sant, que le devolvió a la primera plana, gracias a su fantástica interpretación, y con la que dio comienzo su meteórica carrera cinematográfica hasta hoy en día.

Al final, hay recompensa

En el último festival de Toronto, donde recibió un galardón a toda su carrera, se despachó con una declaración de amor que sorprendió a todos: «Acá, en algún lugar, no sé dónde, hay un sucio dragón, y me gustaría arrancarle las alas, amarrarlo con una manta y dormir con él para siempre. Te quiero. Gracias». Emocionada hasta las lágrimas se encontraba Rooney Mara, y la frase aludía al papel de Lisbeth Salander que ella interpretó en Millennium: los hombres que no amaban a las mujeres, la versión cinematográfica de la popular novela de Stieg Larsson.

Mara y Phoenix se conocieron en el rodaje de Her y se hicieron amigos, ya que ella estaba en pareja con el cineasta Charlie McDowell. Tres años después, en 2016, se reencontraron en el rodaje de María Magdalena. Si bien en un principio él creía que ella lo detestaba, con el tiempo descubrió que simplemente era extremadamente tímida, y en realidad la atracción había sido mutua. En 2017, blanquearían su amor en Cannes.

«Es la única chica a la que busqué en internet en mi vida», dijo Phoenix a Vanity Fair. «Fuimos amigos. Nunca había hecho algo así», señaló sobre Mara, una joven actriz de clase alta que si bien es hija del fundador del equipo de fútbol americano, los New York Giants, ama el perfil bajo tanto como a su novio. Desde aquella fotografía en la alfombra roja del festival francés, ella vendió su casa y se mudó al bungalow de estilo colonial donde él vivía solo (nunca se casó ni tuvo hijos) con sus perros Oskar y Soda, en Hollywood Hills. Juntos practican karate y asisten a manifestaciones por los derechos de los animales. Una pareja de lo más normal, que le dio al actor la paz mental y el amor que tanto necesitaba.

Presente asegurado, futuro prometedor

A Joaquin los 45 no le pueden caer en un mejor momento: con el estreno de Joker aún como pan caliente (la nueva campaña de cartelería anima a la gente que ya la ha visto a volver a pasar por las salas de cine), su nombre ya figura como favorito para el próximo Oscar al Mejor Actor. Muchos lo dan por seguro (como su servidora aquí presente).

Él, que nunca ha sido muy de sonreír (no como su personaje), de repente ha vuelto a redescubrir que una sonrisa no hace daño a nadie e incluso admite su legendario mal carácter. Hace unos días, fue entrevistado por Jimmy Kimmel y reconoció haber tratado regular a unos compañeros del equipo técnico de la película. ¿A qué obedece este cambio? Durante años, preguntarle cualquier cosa era misión imposible y todo el mundo sabía que existía un tema tabú a la hora de hablar con él: la muerte de su hermano River (también actor y, como él, de los buenos).

Un pequeño Joaquin Phoenix junto a su hermano mayor, River Phoenix.

Sus últimas entrevistas tienen un claro indicador para la prensa norteamericana: Joaquin tiene ganas de un Oscar. Y esta vez parece que solo un huracán se lo impedirá: hoy por hoy es el gran favorito (aunque queden meses para la gala) y también el protagonista de uno de los bombazos hollywoodenses del año. ¿Podríamos decir que se entregó al mainstream? ¿Influye su propia vida en este cambio de actitud? ¿Es algo malo acaso el combinar esos factores para llegar a la conclusión de que FINALMENTE y después de TANTO SUFRIMIENTO EN SU VIDA al fin se valora y ya no se subestima? Claramente, me opongo a seguir el circo de críticas negativas hacia su nuevo cambio de actitud. Porque se merece todo el apoyo posible en esta nueva etapa. Y nadie debería querer quitárselo o privarlo de ello. La excentricidad de Phoenix obviamente tiene que ver con su propia infancia, como ya les he contado más arriba en esta nota. Hijo de unos padres contraculturales que se unieron a una secta cristiana que defendía la evangelización mediante nuevas lecturas de las Escrituras, siempre supo lo que era ir a contracorriente.

Los periodistas saben lo que es tratar de averiguar algún dato sobre él, aunque solo les toque hablar de cine. Durante una rueda de prensa en la Mostra de Venecia no tuvo problema en mostrar su aburrimiento, encender un cigarrillo o salir a darse un paseo al mismo tiempo que se negaba a contestar pregunta alguna. «Los actores mentimos y decimos que nuestro trabajo nos afecta emocionalmente, porque es lo que la gente quiere oír. Pero yo he rodado muchas escenas pensando: «¿Qué habrá de almuerzo en el catering?», dijo una vez.

En estos años se ha confesado vegano, abriendo incluso su propio restaurante de sushi vegano, y ha coleccionado novias. Durante un tiempo salió con Liv Tyler, a la que conoció durante el rodaje de El secreto de los Abbott. Cuando empezó a ser más popular (tras convertirse en el malvado emperador Gladiator), tuvo como novia a la modelo Jessica Joffe y poco después hizo buenas migas con otra maniquí, Inger Lise Ebeltoft. Sin embargo, la que parece haberse quedado a su lado es otra actriz con fama de huraña, Rooney Mara. Comprometida, como él, con el cine indie y la alimentación sana, en Hollywood aseguran que las neuras son las que los mantienen unidos.

En los últimos meses, el cambio de actitud de Phoenix ha sorprendido a propios y extraños. De su odio radical a los tejemanejes de la industria y la prensa, ha pasado a servirse de ellos con gusto. Y quizá por eso también ha comenzado a hablar de su hermano. «Cuando tenía como 15 o 16 años, mi hermano River llegó a la casa después del trabajo y traía consigo un VHS de una película titulada «Toro salvaje». Me sentó y me hizo verla. Al día siguiente cuando desperté, me obligó a verla de nuevo. Y me dijo, «Vas a volver a actuar, eso es lo que vas a hacer». No me preguntó, me lo dijo. Se lo debo a él porque actuar me ha dado una vida increíble», dijo en el pasado Festival Internacional de Toronto. Tras el discurso, quedaron claras dos cosas: si no aparece un competidor significativo, Joaquin Phoenix va a ganar el Oscar. Aunque para ello tenga que aprender a practicar algo que (al menos con la prensa) desconocía: la simpatía.

Joaquin Phoenix durante la première de 'Joker'. (Reuters)
Joaquin Phoenix durante la première de «Joker».

Sin dudas, este hombre es un ejemplo de la autosuperación, perseverancia, dignificación y concientización. Hoy le rendimos el homenaje que se merece, sin disfrazar ni dejar en el tabú las experiencias que lo llevaron a ser quien es, y esperamos que siga brillando y resurgiendo como lo está haciendo. ¡Muy feliz cumpleaños, Joaquin!